1990-talet var utan tvekan den mest splittrade eran i serietidningshistorien. Ett decennium full av extrem stil och radikala nya varianter av klassiska karaktärer, 90-talet blev ett make-or-break-ögonblick, inte bara för många långvariga seriefans, utan också för många förläggare. Tiden har inte varit särskilt snäll mot årtiondet eftersom otaliga skämt, memes och missuppfattningar kring berättelserna, karaktärerna och konsten har påverkat människors uppfattning om eran. Men trots alla dess omtvistade brister innehöll 90-talet några av de bästa berättelserna hittills, en detalj som många tenderar att inte inse. Det var ett decennium av förnyelse och nystarter samt katastrofala beslut och dålig ledning.
För att till fullo förstå varför 90-talet blev vad det var när det gäller karaktärsutveckling, tonala skiftningar i berättande, förändringar i estetik och svårigheterna att de stora förlagen hade med att hänga med i tidsandan, är det nödvändigt att titta lite in i det förflutna . 1980-talet var vändpunkten för serietidningar, på både bra och dåliga sätt. När de klassiska berättarteknikerna från den gyllene och silveråldern föll bort till uppkomsten av den grymma antihjälten och den oroliga superhjälten, började läsarna reagera positivt på den nya sortens berättelser som nådde butikshyllor och spinnerställ. Det är viktigt att förstå att dessa förändringar inte på något sätt var dåliga i sig, utan bara att de var tydliga uppmaningar till förändringarna som skulle komma under följande år.
1980-talet började paradigmskiftet som skulle explodera på 90-talet
1984-talet Sagan om träskgrejen (av Alan Moore, Stephen Bissette och John Totleben) var det avgörande skiftet i serietidningsparadigm. Moore tog en sjuk karaktär och förvandlade honom till en av DC:s mest avancerade och mogna berättelser under sin tid. Mycket av fantasy och science fiction kring Swamp Thing förblev intakt, men tonvikten lades på karaktärens själ och hans kamp med att behålla en känsla av mänsklighet i sitt nya liv. Denna mycket annorlunda inställning till att skriva superhjälteberättelser öppnade porten för berättelserna som skulle komma, framför allt Frank Millers verk. 1986 var ett avgörande år för serietidningsbranschen som verk som Millers Daredevil: Born Again och Dark Knight återvänder , och Moores Väktare släpptes alla inom året. Borta var de barnsliga troperna från förr; superhjältar var dystra och plågade, och deras berättelser ersatte högtflygande hjältemod med mogna insatser och konsekvenser. 1987-talet Batman: År ett (av Miller och David Mazuchelli) och 1989-talet Djurman (av Grant Morrison och Chas Truog) fortsatte trenden med det mogna berättande som Moore och Miller stod i spetsen för.
I slutet av 80-talet tog en ny ras av superhjältar världen med storm: antihjälten. Med karaktärer som Wolverine, Punisher, Daredevil och Batman som bröt sig loss från sina klassiska former, skedde en stor tonförändring inom branschen. Medan många solokaraktärer njöt av sina nyfunna identiteter, började många andra teambaserade superhjälteserier också uppmärksammas. X-Men, nu spridda över flera team och iterationer, började uppleva en egen förändring. Men det var en grupp unga män på Marvel Comics, unga, hungriga och sprängfyllda av idéer, som skulle bilda formen för hela decenniet framöver.
Marvel hjälpte Usher i en radikal och extremt ny stil för 90-talet
Om namn kunde tillskrivas stilen på 90-talet skulle de vara Todd McFarlane, Jim Lee, Erik Larsen, Marc Silvestri, Rob Liefeld, Whilce Portacio och Jim Valentino. Tillsammans omformade dessa sju män Marvel Comics och lanserade tillsammans serieserier som skulle definiera årtiondet. Med arbete över titlar som t.ex Spindelmannen , X-Men , bestraffare , Galaxens väktare och många fler, dessa sju män tog med sig heta och spännande nya stilar till Marvel. Action och dynamiska poser ritades med en sådan känsla för stil att alla satte sig upp och lade märke till. Men det var 1991-talet X-Force (av Liefeld och Fabian Nicieza) som sparkade ner dörren. The New Mutants inte längre, Cables militanta förebyggande mutantanfallsteam var högljudda, arga och redo att gå. Spricker fram med svärd, jättevapen, ammunitionspåsar och spikar, X-Force blev ritningen många serier under hela 90-talet försökte replikera.
Det måste förstås, mer än något annat, att serier som t.ex X-Force , 1992-talet Spindelmannen (av Todd McFarlane), och 1991-talet X-Men #1 (av Chris Claremont och Jim Lee) var inte bara framgångsrika, de var oerhört framgångsrika. De hjälpte till att skapa prejudikat för många andra serier från den tidpunkten och framåt på alla stora förlag. Detta upprepades när McFarlane, Liefeld, Larsen, Lee, Portacio, Silvestri och Valentino alla lämnade Marvel för att skapa Image Comics 1992. McFarlane's Ge upphov till , Larsens Den vilda draken , Lees WildC.A.T.s , och Liefelds Ungt blod tog världen med storm och bevisade att dessa skapare inte bara tände i en flaska. Alla troper och all stil som de introducerade under sin tid på Marvel skulle explodera ut med större kraft när de bildade Image. 1990-talets era av serier hade precis börjat.
90-talet var en explosion av attityd och handling
Marvel, DC och Image var inte de enda tunga hitsarna på 90-talet när det kom till serier. Företag som Malibu, Valiant och Wildstorm producerade också sitt eget originalinnehåll. Malibu njöt av framgångar med titlar som t.ex främsta och Ultrakraft . Valiant producerade serier som t.ex Blodsprängda , X-O Manowar , och Rai . Wildstorm såg framgång med Gen 13 och WildC.A.T.s . Jim Shooters originalföretag, Defiant Comics, producerade en originalserie, Warriors of Plasm , också. 90-talet var en blomstrande och mångsidig era för serier då flera företag producerade innehåll som sträckte sig över flera genrer. Serier började gå över till videospel på djärva nya sätt som inte har setts under tidigare decennier. Valiant slog sig ihop med Nintendo för deras Nintendo Comics System serien, Malibu samarbetade med Capcom och Midway och producerade gatukämpe och Dödlig strid serie, och Marvel hoppade också i poolen när de släppte ett singelnummer Resident Evil bindning och en SNES-relaterad X-Men-serie .
Djärva nya sätt att sälja serier började få fäste när förlagen brainstormade heta idéer för att fånga läsarnas uppmärksamhet. Utgåvor släpptes med hela folieomslag som West Coast Avengers #100. Vissa frågor, som t.ex Otroliga X-Men #304 hade holografiska bilder inbäddade på omslagen. I ett särskilt unikt drag, Malibu’s Illern #1 blev skuren till formen av The Ferrets ansikte. Vissa serier packades till och med och skickades med samlarkort. Dessa drag, plus otaliga variantomslag och nytryck, började kräva en belastning på branschen, en som förvärrades med de obevekliga tonala förändringarna som skakade branschen inifrån och ut.
Inte varje ny förändring som gjordes på 90-talet togs emot väl
Trots all dess explosiva action och rekordstora försäljning passade 90-talets signaturstil inte bra med alla. I ansträngningarna att hänga med i de spirande nya trenderna genomgick klassiska karaktärer radikala förvandlingar. Captain America fick en sofistikerad exo-kostym som tillät honom att slå igenom väggar; Getingen förvandlades till en bokstavlig människa/getinghybridvarelse; och Guy Gardner blev den kroppsformande krigaren. På en mindre, men inte mindre ogynnsam skala, genomgick många andra karaktärer förändringar som inte togs emot väl. Thor, Invisible Woman, Hawkeye, Doctor Fate och Booster Gold (bland många andra) fick alla helt nya kläder som ofta var ganska löjliga att se. Detta tar inte ens hänsyn till branschiga händelser som DC's Knightfall , Stålmannens död , och Emerald Twilight som dödade pelarkaraktärer som Batman, Superman och Green Lantern i försök att tillgodose läsarnas nya smaker. Som om flodvågen av bisarra dräkter och framtida vapen inte räckte, fanns det en större, mer oroande trend som dök upp på 90-talet som inte var något att skratta åt: uppkomsten av den massiva crossover-händelsen.
Att ha berättelser som spänner över olika titlar var verkligen ingenting på 90-talet. DC:s Kris på oändliga jordar och Marvels Hemliga krig händelser kändes i deras respektive universum vid deras publikationer. Med varje evenemang på tolv nummer var berättelserna långa och fulla av action och dramatik, men tillräckligt kortfattade för att inte överleva deras välkomnande. 1994-talet Spider-Man Clone Saga Event, å andra sidan, körde i 164 nummer i otaliga begränsade serier, engångsserier och pågående serier. 1995-talet X-Men: Age of Apocalypse evenemanget körde i 58 nummer i flera titlar och serier. 1996-talet Angrepp evenemanget körde i 58 nummer över ungefär 20 olika titlar. Om ett seriefans hade velat läsa hela berättelserna om dessa tre stora evenemang, hade de varit tvungna att köpa 280 nummer. Med serietidningar som kostade ungefär $2,00 1995 skulle det ha kostat $560, eller cirka $1128 idag. Det var, och är, ohållbart.
Dåligt beslutsfattande kom tillbaka med en hämnd i mitten av 90-talet
Med så många gigantiska händelser, radiga karaktärer och fiffiga serieproduktionsvarianter verkar det som om 90-talet var en av de mest lukrativa och framgångsrika tiderna för serier. Detta var dock inte fallet, eftersom alla dessa faktorer, även om de var unika och definitiva i sin egen rätt, började bli svaga i knäna. Kostnaden för att producera så många folie- och holografiska omslag, packa in så många olika samlarföremål, sträcka ut karaktärer och händelser över så många titlar och ersätta traditionella berättartekniker med tjusningen av extrem action blev så småningom tunna. Malibu Comics, som blöder pengar från deras spelavdelning, köptes av Marvel Comics 1994 . Defiant Comics, efter att ha avgjort en varumärkestvist med Marvel, stängde sina dörrar 1995. Det värsta av allt var att hela seriebranschen drabbades av en massiv kollaps, en som hade förvarnats av författaren Neil Gaiman bara några år tidigare.
Under 80-talet började serier att klättra i värde. Samlare som såg tillbaka på sina guldåldersnummer började sälja delar av sina samlingar för tusentals dollar. Denna värdeboom ledde till att spekulanter köpte serier i treor och femmor. När alla dessa samlarkort och variantomslag kom ut på marknaden ville alla köpa så många som möjligt för dessa söta framtida investeringar. Problemet, som Neil Gaiman hade förutsett, var att glöden inte var något annat än en bubbla som så småningom skulle spricka. Hans ord visade sig vara korrekta, eftersom otaliga fans i mitten av 90-talet helt enkelt slutade köpa serier i massor. Återförsäljare gick i konkurs, aktier rasade och Marvel höll på att gå i konkurs.
Trots sina brister var 90-talet också ett decennium av fantastiska berättelser, karaktärer och konst
Det kan tyckas som att 90-talet inte var något annat än dåligt skrivande och ekonomiska misstag, men det kunde inte vara längre från sanningen. Det fanns några helt fantastiska körningar som publicerades under decenniet. Vertigo släppt Sandmannen , Sandman Mystery Theatre , och Predikant . DC släppt Stjärnman och Kingdom Come . Marvel släppte Infinity Gauntlet saga likaså Jorden X och Spider-Man: Maximum Carnage . Kvaliteten på berättandet på 90-talet överskuggas ofta mycket lätt av syndafloden av hardcore-karaktärer som var populära på den tiden, men det fanns några alldeles utmärkta berättelser som förtjänar att läsas.
I slutet av dagen är serier tänkta att underhålla. När en läsares ögon lyser och ett leende sträcker sig över deras ansikte, har uppdraget fullbordats. 90-talets bombast och stil polariserade förståeligt klassiska fans, men man måste komma ihåg att varje era har sina trender och troper. Catchphrases, konststilar, story hooks och veckans karaktärer kommer och går. Det är inte rättvist att bedöma hela decenniet som en ödemark för serier på grund av några populära extremvärden. Det bör också förstås att även om det är lätt att skratta åt stilarna på 90-talet idag, är faktum att de sålde och hjälpte till att etablera de branschlegender som vi nu tycker om. Eran var definitivt en mörk och grym tid, men det var också ett banbrytande decennium av oöverträffad framgång.
